우리 사회는 꽤 오랫동안 서양문화에 대한 환상을 가지고 있었다. 그 이유는 아마 구한말의 혼란과 일제강점기, 전쟁을 연이어 겪으며 생겨난 우리의 결핍 때문이었다. 그 시절에는 클래식 음악이 고급문화라는 이미지를 확고히 가지고 있었다. 서양이 우리보다 앞서 있으므로 이를 배워야 한다는 생각이 그 세대 안에서 포괄적인 동의를 얻고 있었다. 많은 젊은이들이 유학을 떠났고 다시 돌아온 뒤 사회의 리더가 되었다. 그러면서 클래식 음악 역시 풍성해졌다.

사람들은 암묵적으로 서양 음악의 전통인 클래식을 존중했으므로 이런 생각이 자연스럽게 퍼져 있었다. 그것은 아무리 젊었을 때 사이먼&가펑클이나 에릭 클랩튼, 조용필을 듣던 사람이라도 좀 더 나이가 들고 호흡과 맥박에 여유가 생기면 클래식에도 자연스럽게 귀가 열릴 거라는 기대였다. 하지만 그것은 사실 귀가 열리는 문제라기보다는 이미 클래식에 마음이 열려 있을 때 가능한 일이었다. 

우리의 결핍은 한강의 기적을 일군 우리의 자랑스러운 아버지, 어머니들의 땀과 열정으로 어느 정도 채워졌다. ‘잘 살아보세’라는 노력은 서구권이 수백여 년에 걸쳐 발전시켜온 자본주의를 불과 한 두 세대 만에 따라잡으려는 엄청난 속도전이었다. 그것은 실로 놀라운 성과였지만, 그 때문에 균형을 잡기란 사실상 어려웠다. 경제적인 면에서는 이미 과거의 결핍을 찾아보기 어려워졌다. 하지만 문화면에서는 그 같은 결핍이 채워졌다고 보기 어려웠다. 한 사회의 기저에 놓인 문화는 사실 오랜 시간을 통해 가꾸어져 간다. 때문에 우리가 기울인 30여년의 노력은 새로운 문화의 초석을 놓은 것일 뿐이다. 그러나 많은 사람들은 우리가 짧은 시간에 일군 경제적 성공이 문화의 빈자리까지 채운 것처럼 여기기 시작했다. 빠른 속도로 서양 문화에 대한 경외감이 사라지고 우리 문화에 대한 자존감이 회복되기 시작했다. 물론 그것 자체는 바람직한 일이다. 그것이 우리 문화의 내실을 튼튼히 하려는 노력을 겸비한 근거 있는 자신감이라면 환영할 만한 일이다. 그러나 그것이 그저 잠시 간의 경제적 번영에 편승한 ‘겉멋’이라면 이는 마땅히 경계해야 할 일이다. 그렇다면 우리의 현 상태는 어떠한가? 우리는 우리의 내실을 튼튼히 하고 있는가?

이 질문을 가지고 한류라는 현상을 바라보면 우리는 몇 가지 건설적이고도 비판적인 방향성을 고민해 볼 수 있다. 한류는 한국 대중문화의 가장 큰 성과로 지목되는 성과로서 공교육과 학계가 고전하고 있는 동안 선전을 거듭했다. 문화 컨텐츠로서 한류는 이미 세계무대에서 그 경쟁력을 확인하고 있다. 그런데 이 현상이 어떤 의미를 가지는가 하는 문제를 우리는 깊이 있게 생각해 보아야 한다. 한류를 이끄는 힘은 스타가 되고 싶은 많은 아이들의 열정과 체계적이고 차별화된 공연 및 스타 마케팅 등을 그 동력으로 한다. 하지만 한류 열풍에는 문화를 양성하기 위한 고민은 빠져 있다. 즉 문화의 밑바탕을 튼튼히 하여 자생적인 컨텐츠를 지속적으로 공급해낼 수 있는 저력은 아직 시험대에 올라 있지 않은 것이다. 한류의 양지에서 반짝이는 많은 스타들은 문화생산자로서의 짧은 생명을 다 끝낸 뒤에 어디로 갈 것인가. 그들의 노력이 문화 저변을 이루는 데 쓰이는 것이 아니라 그저 한낱 문화 소비재로 소모되고 휘발된다면? 또 그들처럼 빛을 보지 못한 채 음지에 있는 숱하게 많은 이들은 그저 실패자일 뿐인가. 그들이 사회에 기여할 수 있는 무대와 장소와 역할을 지속적으로 개발하는 것이 우리 사회의 몫은 아닐까? 비슷하게 이런 질문도 계속 나와야 한다. K-Pop이라는 장르가 다루는 내용 또한 좀 더 다채로워져야 하지 않을까? 세계화와 자유주의를 대변하는 내용들을 벗어나 한국적인 컨텐츠가 나와야 하지 않을까? 젊은이만을 위한 문화가 아니라 좀 더 다양한 연령층을 포괄할 수 있어야 하지 않을까? 등등 이 같은 논의들은 본질적으로 분야와 상관없이 같은 내용을 보여준다. 한류냐 국악이냐 클래식이냐의 문제가 아니라 좀 더 오래가는 문화를 가꾸고 있는가. 베토벤 식으로 말하자면 늘 ‘전체를 눈앞에 두고’ 일하고 있느냐의 문제인 것이다. 

다시 클래식계로 돌아와서 논의를 계속해 보자. 앞서 제기한 우리는 우리의 내실을 튼튼히 하고 있는가? 라는 질문은 물론 흑백논리로 단순하게 대답할 수 있는 문제는 아니다. 여전히 많은 예술가와 학자들이 현실적으로 넉넉한 보상을 받지 못함에도 불구하고, 외롭고 험난한 예술과 학문의 도정에서 의미 있는 성과들아 쌓아져가고 있다. 필자의 대학 시절에 나오지 않았던 숱한 작품과 학술서적들이 속속 출판되고 있고, 세계 수준의 연주자들과 작가들이 다양한 분야에서 나오고 있다. 그러나 이 같은 개인적 노력과 성취가 곧 그 사회 자체의 역량을 의미하는 것은 아니라는 게 우리가 되돌아보아야 할 현실이다.

김연아와 박태환이 존재한다고 해서 한국이 피겨 강국이나 수영 강국은 아니다. 그러나 기보배나 박성현이 없이도 한국은 양궁 강국이다. 전자와 달리 후자는 자생적인 발굴, 육성 시스템과 경쟁력을 갖추고 있기 때문이다. 그러나 우리 예술계는 아직 양궁의 모델이 아니라 개인 역량에 의존하는 피겨나 수영의 모습을 하고 있지 않은가? 우리의 음악 교육 역시 재능 있는 개인이나 능력 있는 몇몇 지도자의 역량에 기대 지금까지 달려온 것은 아닌가?

인간의 가치는 점수로 매기는 것이 아니다

2009년 교육과정 때 결정되어 2011~13년까지 시행되다 폐지된 집중이수제는 문화와 교육을 바라보는 정책입안자들의 시각이 백년대계의 그것과는 상당한 거리가 있음을 확인시켜 주었다. 집중이수제는 수업의 집중도를 높이기 위해 특정 한 과목의 수업을 각 초?중?고 학기 중 특정 학기나 학년에 집중적으로 학습하는 제도였다. 각 학교가 사회군(사회ㆍ도덕), 과학군(과학ㆍ기술ㆍ가정), 예술군(미술ㆍ음악)과 같이 유사한 과목끼리 교과군을 묶어 각 과목별 수업시간만 충족시키면 수업 시점은 자율적으로 편성할 수 있도록 허용하는 것이 핵심이다. 하지만 미술과 음악을 하나의 교과군으로 묶는다는 발상 자체가 넌센스이고, 꾸준히 접하고 친해져야 그 진가를 알 수 있는 예술 분야를 한꺼번에 몰아서 가르칠 수 있다는 생각 또한 상식과 거리가 멀다. 결국 교육부는 학생들의 전인적인 인격 형성을 도모하고 자살을 방지하자는 취지에서 예술 교과를 집중이수제에서 배제했지만 곧 시행상의 혼란과 학교 현실과의 괴리 때문에 폐지 수순을 밟았다. 하지만 이 같은 잘못된 접근으로 인해 이 시기 초등, 중등학교를 다닌 학생들은 음악의 아름다움을 만날 첫 경험의 시간을 놓쳐 버렸다. 다시 말하면 이는 클래식 음악의 가치를 각인시킬 기회를 놓쳐 버린 것을 뜻할 수도 있다.

예술은 가장 사회적인 존재이다